Affinità espressive

II. La pagina bianca per rispecchiarsi

2010-04-23T04:48:00.000-07:00

Daniel Stern, uno psichiatra americano, indagando la comunicazione madre-bambino e osservandoli interagire ha notato che a un gesto, un verso, un atteggiamento della madre il bambino risponde ripetendo lo stesso verso, lo stesso gesto. Ma non si tratta di pura imitazione, il bambino ripetendo il gesto della madre sceglie un modo un po’ diverso di riprodurlo. Ogni volta introduce una variazione, lo cambia un po', lo fa proprio, lo rende personale, unico.

L’imitazione non basta, ci vuole una sorta di variazione. E’ lei che, attraverso quello che Stern chiama sintonizzazione, causa l’effettivo luogo nel quale si forma l’autonomia del sé, che dapprima è certamente imitativo. Carlo Sini, convegno di Nonterapia, Milano 2008

Il bambino costruisce il senso del proprio sé attraverso il continuo rispecchiare e essere rispecchiato dalla madre. Ma per definirsi come individuo, per individuarsi introduce variazioni. Personalizza, diciamo, il rispecchiamento del gesto altrui. Lo fa proprio mutandolo. Come uno specchio che non restituisce fedelmente l’immagine ma la deforma personalizzandola, il bambino si personalizza, si soggettivizza.

Continuiamo per tutta la vita a rispecchiarci negli altri e a rispecchiare gli altri. Essi ci rimandano immagini di noi deformate (nel rispecchiamento si sovrappone la loro variazione, la loro personalità, il loro punto di vista) ma necessarie alla percezione del nostro sé. Quante volte il commento di una persona ci ha fatto “aprire gli occhi” su qualche aspetto di noi stessi che non avevamo visto! Per definirci, per individuarci abbiamo bisogno di rispecchiamento. Il gesto di portar fuori lo sguardo per fletterlo indietro permette l’autoconoscenza e la formazione del sé.

La mente riflette e si riflette avvalendosi di una superficie in cui rispecchiarsi. E’ capitato a tutti di aver preso la penna e iniziato a scrivere e, grazie alla scrittura, vedere che il nostro pensiero confuso si è chiarito. La pagina bianca, il foglio, la tela sono strumenti di riflessione. Non sono neutrali, anch’essi hanno caratteristiche che condizionano l’immagine riflessa, ma sono ottimi alleati. Sono luoghi di proiezione dei propri schemi ma anche occasione di tabula rasa su cui creare una nuova storia, su cui scoprire un nuovo punto di vista, posto al di fuori di noi.

I. La pagina bianca per rispecchiarsi

2010-04-23T04:26:00.000-07:00

Consideriamo l’esperienza della visione: ci percepiamo come immersi nel visibile, ne siamo parte. Siamo la nostra mente e i nostri occhi. Siamo il nostro corpo, lo spazio che ci circonda e le cose che occupano questo spazio. L’esperienza della visione è esperienza di se stessi.

Visibile e mobile, il mio corpo è annoverabile tra le cose, è una di esse, è preso nel tessuto del mondo e la sua coesione è quella di una cosa. Ma poiché vede e si muove, tiene le cose in cerchio intorno a sé, le cose sono un suo annesso o un suo prolungamento, sono incrostate nella sua carne, fanno parte della sua piena definizione, e il mondo è fatto della medesima stoffa del corpo. M. M. Ponty, L’occhio e lo spirito, S.E.

L’occhio può vedere tutto tranne se stesso. Per vederci abbiamo bisogno della mediazione di qualcosa fuori di noi. Sia per vedere il nostro corpo che per una visione introspettiva è necessario portare fuori lo sguardo e fletterlo indietro, verso di sé. Vedere comporta una separazione e una riflessione. Vi è la necessità di farsi due.

Vedere comporta l’esperienza di essere visti, di vedersi mentre si guarda, di guardarsi attraverso le cose. Le cose ci fanno da specchio. I pittori, che sono attenti osservatori, hanno riferito spesso di sentirsi guardati dalle cose. Anche il dipinto, facendosi cosa, guarda. La tela dipinta restituisce un’immagine deformata.

Tra l’immagine vista e l’immagine pittorica c’è uno scarto, una discordanza. Il dipinto mette in evidenza un altro sguardo, uno sguardo che non combacia perfettamente con la visione originaria ma se ne differenzia, raddoppiandola. La pittura rivela il corpo, la mano, il gesto del dipingere e il suo stesso corpo. Essa mostra la personalità del pittore, lo sguardo che sta dietro a quel gesto, quel preciso modo di guardare che appartiene a quel pittore. Il dipinto evidenzia la personalità creativa che ci costituisce come vedenti/specchio, come sé separati dal mondo, come specchi che non riflettono fedelmente e passivamente ma in modo personale.

Siamo immersi in noi stessi e per vedere dobbiamo porci al di fuori. C’è qualcosa di potente in questo ripiegamento dell’immagine, in questo sdoppiamento del vedere, in questo altro che ci fa riconoscibili. L’altro da sé, l’altro sguardo permette di osservarci da fuori e grazie ad un fuori che ci rispecchia conoscerci, riconoscerci. Questa personalizzazione dello sguardo si costituisce anche grazie al rispecchiamento. Rispecchiandoci, man mano prendiamo coscienza del nostro essere.

Laboratorio permanente di arti visive

2010-04-23T03:14:00.001-07:00

Il 4-11-18-25 Maggio breve ciclo di lezioni introduttive al corso base, che inizia a Settembre.

Per informazioni info@espressivi.it

Laboratorio permanente di arti visive

2010-04-23T03:14:00.000-07:00

Il corso base inizia a Maggio. Per informazioni scrivi a info@espressivi.it

Laboratorio Ovale al Museo

2010-04-23T02:50:00.000-07:00

6 Maggio 2010, presso GAMEC- Galleria d'arte Moderna e Contemporanea di Bergamo

con Nicoletta Freti e Clara Luiselli

Ovalà O la spacca

2010-03-16T06:54:00.000-07:00

Una serata Ovale

con Nicoletta Freti e Clara Luiselli

il 25 gennaio 2010

presso lo Studio Balini di Bergamo

Nicoletta Freti - Disegni come fiori - Videoinstallazione

2009-07-02T07:00:00.000-07:00

Sala d'armi - Castello di Urgnano, Bg. 2009

Disegni come fiori

2009-04-24T04:00:00.001-07:00

DISEGNARE RINFORZA LE IDEE - CAMPAGNA PER IL DISEGNO DISINTERESSATO

L'arte per conoscersi

2009-04-24T03:47:00.001-07:00

“Scoprì che la vera finalità dell’arte non è creare oggetti belli. Essa è piuttosto una tecnica conoscitiva, un modo per indagare più a fondo la realtà fino ad individuarvi il proprio ruolo: quali che siano i valori artistici di una singola tela, essi costituiscono quasi un sottoprodotto casuale dell’impegno nello sforzo di arrivare al cuore delle cose”.

Così si esprime uno dei protagonisti di Moon Palace (Paul Auster, Einaudi 1989) un pittore che, per una serie di circostanze, si trova costretto a vivere in totale solitudine, circondato da una natura selvaggia. Ha del materiale per dipingere a disposizione. Inizia a lavorare, la sua pittura non ha obiettivi precisi né riferimenti esterni. Il ricordo delle accese discussioni tra colleghi fatte in passato con l’andare dei giorni perde di senso – sa che non mostrerà a nessuno il risultato del suo lavoro. Pian piano dimentica l’aspetto comunicativo dell’opera e si immerge in un fare privo di intenzioni. Liberato dagli antichi condizionamenti scopre un significato profondo dell’arte, la sua capacità di farlo arrivare “al cuore delle cose”. Paul Auster mette in evidenza un aspetto importante dell’arte, quello di essere prima di tutto una tecnica conoscitiva, “un modo per indagare più a fondo la realtà fino ad individuarvi il proprio ruolo”. Il fare artistico, slegato da esigenze espositive e di mercato diventa un esercizio di osservazione della realtà, un atto fenomenologico orientato all’educazione dello sguardo, una pratica di pura presenza a sé stessi e al mondo. La pratica artistica è una palestra formidabile, può essere intenzionalmente usata per questo scopo in quanto permette di entrare in contatto con sé stessi e di confrontarsi con ciò che si è, con le qualità e i limiti che caratterizzano ogni individuo, permette di allenare il proprio sguardo per “arrivare al cuore delle cose”. L’arte è una via di conoscenza, una strada maestra verso sé stessi. La strada della creatività porta a trovare sé stessi, il proprio segno, il proprio stile, a riconoscerlo e a svilupparlo. L'espressione personale ha bisogno, per manifestarsi, di un lavoro di scavo, di pulitura, di scoperta di sé, richiede un lavoro mirato e la pratica artistica può essere uno strumento potente in questo senso, inducendo a fare i conti con sé stessi e a individuare le peculiarità che contraddistinguono ogni persona. E’ difficile procedere lungo il percorso dell’arte senza confrontarsi con le proprie capacità, con i propri limiti, con le risorse disponibili - con la propria unicità - nel bene e nel male. Ogni persona, ogni artista, ha qualcosa che lui solo può esprimere in un certo particolare modo, un tratto distintivo che si manifesta e si rende leggibile attraverso la pratica, opera dopo opera, divenendo sempre più esplicito e inconfondibile. Per arrivarci è necessario liberarsi gradualmente dalla tendenza ad applicare meccanicamente soluzioni date. La comprensione dei meccanismi inconsapevoli e l’analisi degli stereotipi applicati all’espressione artistica facilitano la libera espressione di sé e rafforzano la capacità di rinnovare ogni volta il proprio lo sguardo sul mondo.

Disegni come fiori - Il “disinteresse interessato”

2009-04-24T03:09:00.001-07:00

La pratica del disegno disinteressato non è totalmente priva di interessi ma si muove verso obiettivi alternativi a quelli per cui il disegno è comunemente utilizzato dall’artista: orienta il fare verso un uso dell’arte finalizzato alla cura di sé. Il disegno disinteressato si ispira alla logica del “disinteresse interessato” proposta da Mario Perniola nel testo “Contro la comunicazione” (Einaudi 2004). Perniola fa una critica alla comunicazione - soprattutto quella massmediatica - la definisce una comunicazione a senso unico che ha come solo scopo quello di veicolare un’idea. Non è una comunicazione interessata al dialogo e allo scambio, si nasconde dietro una veste democratica ma in realtà è uno “strumento dell’oscurantismo”; è interessata solo a far arrivare un messaggio, fa leva sulle emozioni per arrivare alla meta. Scrive: "La comunicazione è l’opposto della conoscenza. E’ nemica delle idee perché le è essenziale dissolvere tutti i contenuti. L’alternativa è un modo di fare basato su memoria e immaginazione, su un disinteresse interessato che non fugge il mondo ma lo muove". Perniola propone il disinteresse estetico come alternativa alla comunicazione. Si tratta di un interesse che non è in realtà completamente disinteressato ma, ponendosi fuori dalla logica dell'interesse economico, risponde a regole diverse da quelle basate sul profitto e sul mercato. E’ un interesse che ha figure di riferimento e scopi diversi dalla comunicazione, un atteggiamento che non è in sé privo di interessi ma risponde a un’altra logica, riceve altri tipi di riconoscimento e ricompensa. Anche il disegno disinteressato persegue scopi diversi da quelli della comunicazione e riceve altri tipi di ricompensa, non si basa né sul bisogno di affermazione dell’artista né sul mercato né ha finalità puramente espositive. Esso attinge al piacere disinteressato tipico dell’impulso iniziale che accompagna ogni creazione artistica per muovere verso altri scopi. Il disegno disinteressato non esclude altri obiettivi ma li pospone, essendo orientato alla crescita e al rafforzamento del sé, in un’ottica più ampia di arte come cura di sé.

Disegnare rinforza le idee

2009-04-24T02:53:00.000-07:00

CAMPAGNA PER IL DISEGNO DISINTERESSATO

Disegni come fiori

2009-04-24T02:49:00.000-07:00

Penso a un mondo in cui il disegno è una pratica diffusa. Penso a un modo di disegnare libero da scopi utilitaristici. Penso a disegni che sbocciano e si offrono liberi dal bisogno di possesso del disegnatore. Penso a disegni che incarnano intuizioni. Penso a un disegnare senza attaccamenti, senza sovrainvestimenti né secondi fini, a un disegnare scevro da aspettative di grandezza. Penso a un disegno che si accetta per quello che é, come un pensiero, come un fiore: oggi nasce, lo guardi, lo regali e poi muore.

da www.nikisketchbook.com

2008-12-09T11:29:00.000-08:00

La pagina bianca fa paura?

2008-12-09T10:24:00.000-08:00

“Ostruzione, oscurità, vuoto, disorientamento, crepuscolo, blackout, spesso combinati con una lotta o un sentiero o un viaggio; un’incapacità di vedere la strada, ma la sensazione che una strada ci sia, e che l’atto di andare avanti alla fine consentirà di vedere: ecco gli elementi comuni in molte descrizioni del processo dello scrivere” scrive Margaret Atwood in Negoziando con le ombre (Ponte alle grazie 2002), un bellissimo libro sulla scrittura. E’ necessario affrontare l'oscurità, il vuoto per trovare nuove idee e questo provoca sensazioni ambivalenti, di attrazione e paura. La pagina bianca può fare paura e attivare emozioni che, ad uno sguardo esterno, possono sembrare puerili e improprie. Chi si mette in gioco attraverso la creazione artistica lo sa. Come un bambino che si destreggia tra il bisogno di rassicurazioni materne e la voglia di scoprire e imparare, chi affronta il nuovo vive la polarità esistente tra il desiderio di sicurezza e l’impulso all'esplorazione - da un lato sente lo stimolo a cercare novità, a sporgersi oltre il limite per sperimentare cose interessanti e avvincenti, dall'altro sente il bisogno di punti fermi e basi sicure - vorrebbe dirigersi verso ciò che non conosce e nello stesso tempo desidera restare saldo a tutto ciò che è noto e stabile. Un semplice foglio di carta, una tela bianca, possono diventare teatro di piccole e grandi tragedie: come uno specchio, riflettono impietosamente i limiti, le incapacità, le paure o le manie di grandezza che ci appartengono. Stati d’animo contrastanti vengono attivati dall’incontro con il foglio, emergono aspettative e bisogni quali il desiderio di riuscire ad uguagliare i maestri, il desiderio di affermazione di sé, di conformismo, di sicurezza, di approvazione, di rottura. Vedere quello che abbiamo prodotto, mostrare a noi stessi e agli altri il risultato della nostra arte e prendere coscienza dei limiti del nostro fare è - può rivelarsi - carico di insidie, è come mostrare una parte molto intima e sensibile di sé, crea felicità ma anche aspettative e ansia. Eric Maisel - un noto creativity coach americano - a proposito dell’argomento sostiene di aver lavorato con numerosi artisti i quali, nonostante abbiano dimostrato di avere avuto molto coraggio nella vita di tutti giorni (“They had survived divorces, ecc. but despite their everydays courage, the courage to create eluded them - The Van Gogh blues), diventano improvvisamente deboli e paurosi quando si tratta di affrontare la creazione artistica. Di coraggio parlano anche Goleman, Ray e Kaufman in “Lo spirito creativo (BUR ed.2004), che lo ritengono un fattore vitale e necessario in qualsiasi lavoro creativo “Ai fini della creatività, di qualunque genere essa sia, è essenziale trovare il coraggio necessario per accettare le proprie ansie e fare il passo successivo”. Una certa dose di ansietà accompagna il lavoro dell’artista, ne è parte, dà sapore, è la forza che spinge verso la meta ma quando l’ansia è troppa può bloccare. Secondo lo psicoanalista cileno Matte Blanco (Estetica e infinito, Ed. Bulzoni) per colui che crea è difficile considerare con serenità e distacco la propria creazione. Sembra inevitabile, a livello inconscio, l’identificazione con Dio. Ogni atto creativo contiene in sé il desiderio di diventare Dio. Creare è un atto di ribellione, a cui consegue l’angoscia della colpa e l’attesa della punizione. La creazione artistica attiva forze profonde. L’artista si muove tra deicidio e paura dell’annientamento. Dobbiamo tenerne conto e non giudicarci troppo male quando, oltre al piacere di creare, ci troviamo di fronte a sensazioni difficili da gestire.

Nuovi disegni su nikisketchbook

2008-12-09T10:11:00.000-08:00

Nuovi disegni dall'album www.nikisketchbook.com

Il sito di Nonterapia cambia look.

2008-12-01T06:37:00.000-08:00

Il sito di Nonterapia cambia look. Il nuovo sito appare arricchito nei contenuti e nelle potenzialità informative e completamente ridefinito nella veste grafica. Vi si possono trovare articoli sempre nuovi su vari argomenti, arte, filosofia, tradizioni naturali, yoga, viaggi, esperienze.... Ispirata dalle diverse tradizioni di natura d’oriente e d’occidente – tradizioni mistiche e poetiche, e dalla parte più “animistica” della nostra psicologia del profondo, Nonterapia riscopre nell’unicità e nella diversità di ognuno un autentico patrimonio, una fonte di potere e di creatività inesauribile. Attraverso il metodo simbolo-immaginale, Nonterapia ci riporta a quello stato naturale dell’essere nel quale, avendo ormai abbandonato l’idea che per essere felici bisogna diventare qualcos’altro da ciò che siamo qui e ora, è possibile contemplare la bellezza e la ricchezza della molteplicità della propria natura. (Tratto dalla Newsletter di Nonterapia del 25.11.08)

Guardare

2008-11-05T09:25:00.001-08:00

Cy Twombly - Tate Modern 2008 (detail) - Foto Affinità espressive

L'elemento autobiografico nell'opera d'arte

2008-11-05T08:51:00.000-08:00

L’elemento autobiografico nell'opera non comporta necessariamente la descrizione di sé, come può avvenire per l’autoritratto, ma anche il modo in cui il carattere dell’autore si riflette nell’opera. Ogni opera d’arte è scrittura di sé. La personalità dell’autore si trova riflessa nella propria opera, e questo permette un lavoro di trasformazione di sé attraverso l’opera. La pratica artistica mirata alla crescita personale si basa sull’esplicitazione di questo processo che è implicito in ogni operare artistico. Quello che è implicito in ogni opera d’arte può diventare esplicito. L’esplicito riguarda la scoperta delle nostre risorse e di quello che ne facciamo, di come le utilizziamo e non le utilizziamo. Esplicitando, andiamo a vedere i punti di forza ma anche le difese, tutto ciò che uno fa per proteggersi ma anche per sabotarsi. Desideriamo conoscerci ma abbiamo anche paura di ciò cui andiamo incontro. Come ha insegnato la psicoanalisi, il processo di conoscenza e trasformazione di sé da un lato si fonda sul bisogno che ognuno ha di conoscersi e di crescere, dall’altro si scontra con resistenze. E' possibile aumentare la consapevolezza di sé in relazione al proprio operare, scoprire gli elementi distintivi e le modalità di lavoro che ci caratterizzano, riconoscere resistenze e punti di forza, trovare il proprio personale senso nella pratica dell’arte, coerente con la propria visione del mondo.

La pratica artistica come processo di autoconoscenza

2008-11-05T08:46:00.000-08:00

L’arte può essere considerata una pratica filosofica, nella misura in cui fornisce l’occasione di conoscersi e crescere come persona. La filosofia in origine aveva un carattere pratico e non speculativo. Uno dei suoi scopi principali era quello di aiutare a divenire sé stessi, a divenire “ciò che si è”. Era uno strumento orientato a trovare la propria essenza e a costruire la propria forma. Attualmente, questo aspetto pratico del filosofare è stato recuperato dal consulente filosofico (counselor). Egli mette la filosofia al servizio del quotidiano, facilitando la valorizzazione delle risorse personali e lo sviluppo delle capacità espressive. L'espressione personale ha bisogno, per manifestarsi, di un lavoro di scavo, di pulitura, di scoperta di sé. La realizzazione di sé richiede un lavoro mirato e la pratica artistica può essere uno strumento potente in questo senso, inducendo a fare i conti con sé stessi e a individuare le peculiarità che contraddistinguono ogni persona.

Negli altrui panni

2008-11-05T08:20:00.000-08:00

Foto Massaro

Workshop-performance di Nicoletta Freti e Clara Luiselli, a chiusura della mostra “Come un rumore insituabile” presso la Galleria Vanna Casati di Bergamo, il 12 Novembre 2008 alle ore 20,30. La performance coinvolge il pubblico. Il pubblico ha accesso al mondo dell’arte e sperimenta una delle sue funzioni: scoprire sensazioni profonde, esprimerle e trasformarle. La performance è costruita sulla relazione tra performer e pubblico, che è parte attiva dell’evento. Lo spettatore è coinvolto nella pratica del disegno e dell’espressione corporea come via di autoconoscenza e forma simbolica di trasformazione. Il pubblico è invitato a partecipare attivamente.

Per Bill Viola l'arte è un contenitore

2008-11-05T07:39:00.000-08:00

Bill Viola "Ascending Angel" 2001 - Photo: Kira Perov

«L' arte non è al primo posto nella scala della mia vita. Certo, è il mio lavoro e mi dà da vivere, è anche la mia professione. Ma ricordiamoci che l' arte è un recipiente vuoto. Puoi applicarla a molte, molte cose, così come puoi mettere molte cose in una tazza. Ci possono essere artisti che rappresentano un vasto numero di aspetti del mondo e per molte differenti ragioni, e tutto questo è arte. Ma se guardiamo al contenuto, a cosa c' è nel contenitore che chiamiamo arte, allora per me è una cosa molto particolare e precisa. Non sono interessato a tutto. A me interessa l' aspetto dell'esperienza umana che riguarda la natura del movimento del fluire della coscienza, la consapevolezza, la possibilità di perfezione e di liberazione del sé». Bill Viola - La repubblica 03.11.2008

Il disegno come rituale

2008-10-16T07:17:00.000-07:00

Il disegno è un rituale, un gesto riparativo, uno strumento simbolico di attivazione di forze risanatrici interne. Disegnare è conoscere, è pensare, è metabolizzare. Il disegno è un pensiero non verbale, è un mezzo di comunicazione con il corpo, con la parte profonda e più antica di noi. Il disegno permette di narrare in modo nuovo la propria storia, disegnando possiamo ricollocare esperienze altrimenti percepite come frammentarie.

2008-10-16T07:15:00.001-07:00

Dalla serie: gente che fotografa (AFFINITA' ESPRESSIVE)

L’arte ha molto a che fare con il disimparare

2008-10-16T07:12:00.000-07:00

“L’arte ha molto a che fare con il disimparare, con la grande difficoltà della mente umana a uscire dal seminato, ovvero a agire contro se stessa per istituire discontinuità. A quali condizioni la mente umana accede a un breakdown creativo, quanta difficoltà incontra ad agire contro se stessa per riuscire a mettere in discussione l’ordine, essendo prevalentemente vocata a costruire ordine e a mantenere ordine e a preservare ordine …” Ugo Morelli

Y.Z.Kami

2008-10-15T10:33:00.001-07:00

Biennale di Venezia 2007

Trovare sé stessi attraverso la creatività

2008-10-15T10:28:00.000-07:00

Ogni persona, ogni artista ha qualcosa che lui solo può esprimere in un certo particolare modo, qualcosa che nessun altro può dire come lui, qualcosa che si manifesta e si rende leggibile attraverso la pratica e che, opera dopo opera, può divenire sempre più esplicito e inconfondibile. La strada della creatività porta a trovare sé stessi, il proprio segno, il proprio stile, a riconoscerlo e a svilupparlo. Modalità espressive personali necessitano - per manifestarsi - di un lavoro di scavo, di pulitura, di ritrovamento. E’ difficile all’inizio riconoscere le qualità e il valore di quello che facciamo. L’espressione personale è qualcosa di conosciuto ed estraneo nello stesso tempo, ci è familiare e ci sorprende per la novità che rappresenta, ci sfugge. Ha caratteristiche nuove e non immediatamente collocabili che in genere non sappiamo apprezzare, non somigliano al nostro ideale. Per sfuggire all’incertezza facciamo riferimento a modelli esterni, cerchiamo di imitare altri artisti, prendiamo a prestito le loro opere. L’imitazione è un atteggiamento fondamentale dell’esistenza, il bambino impara imitando, l’allievo imita il maestro, studia i capolavori dei grandi artisti, prova a sperimentare le loro tecniche, assimila. Non è un essere isolato nel tempo e nello spazio ma conosce il proprio punto di partenza, è consapevole di tutto il patrimonio di lavoro lasciato da chi è venuto prima di lui. A un certo punto, però, se non si libera dell’abitudine all’imitazione resta intrappolato in stilemi ripetitivi e inespressivi e si allontana da sé. E’ indispensabile saper imitare, comprendere fino in fondo, metabolizzare il lavoro di altri per poi staccarsi e sperimentare liberamente, inventare, rischiare.

Il counseling per l'arte

2008-10-15T10:01:00.000-07:00

Il counselor artistico usa l’arte come via di conoscenza, come pratica esplorativa non verbale per sé e per il cliente. Il suo lavoro si basa sui principi generali del counseling, su competenze di tipo artistico e sulla conoscenza dei comportamenti psicologici più comuni collegati alla creatività e all’arte. Il counselor ha il compito di aiutare l'artista a trovare la propria espressione individuale, a mettere a punto il proprio metodo, a focalizzare limiti e punti di forza. L'attività artistica favorisce il contatto con sé stessi, il confronto con ciò che si è, con le qualità che caratterizzano ogni individuo, l’art counselor è dotato degli strumenti necessari per accompagnare il cliente lungo tutto il percorso.

L'arte serve a chi la fa

2008-10-15T09:55:00.000-07:00

Da dove nasce il desiderio di disegnare, modellare, filmare, fotografare, riprodurre, rappresentare la propria realtà? Perché i bambini amano disegnare la mamma, il papà, se stessi e di nuovo la casa, la famiglia, passando ore e ore a fermare su un foglio e dentro di sé il loro mondo? Quale necessità porta le persone a riprodurre graficamente la vita? Una delle ragione per cui la pratica dell'arte è così diffusa è che l'arte serve a chi la fa. L'artista è spinto soprattutto dal proprio bisogno di creare, di sperimentare, inventare, scoprire, confrontarsi con se stesso, con i propri limiti e con il mondo.

La guida artistica

2008-10-15T09:28:00.000-07:00

La guida artistica ha un ruolo delicato, è una figura che accompagna senza forzare, una figura che non sa e non dice cosa fare, non ha la verità ma aiuta il cliente a trovare la propria. Pur conoscendo molti aspetti del processo creativo e molti modi per superare gli ostacoli più comuni non somministra soluzioni preconfezionate, non conosce la direzione del percorso del singolo allievo ma, accompagnandolo e sostenendolo nella ricerca, lo aiuta a trovarla in sé stesso. Per fare questo la guida deve mettere a tacere il proprio modo di concepire il mondo, deve sospenderlo, deve saper osservare, leggere i segni, sintonizzarsi, ascoltare. Non offre certezze ma pone domande al fine di suscitare nel cliente l’abitudine a cercare dentro di sé le risposte. In questo modo può aiutarlo a trovare la propria espressione individuale, il proprio metodo.

2008-10-15T03:09:00.000-07:00

ciaooo